El concepto de ciudad

Para definir el concepto ciudad existen distintos términos, que son :

* La cantidad de habitantes, que a nivel mundial no existe un criterio para decidir que cantidad de residentes se necesitan para catalogar a una ciudad como aglomerada.

* La actividad económica, que se dedica a actividades relacionadas con los sectores secundario y terciario.

* La forma urbana, se relaciona con un medio construído y con espacios densamente ocupados.

* El modo de vida, que es la diferencia de vivir en un sitio privilegiado como Madrid a uno como Zambia.

La esperanza de vida

La posibilidad de alargar la vida es una cuestión completamente de bienestar como comer bien, atención médica o leyes que aseguran una jubilación segura a las personas mayores.Aunque también contribuyen a una mayor esperanza de vida los éxitos alcanzados por la medicina como por ejemplo la atención por los niños nacido o la lucha para prevenir enfermedades con la invención de nuevos medicamentos y vacunas.
Estos países son algunos :

PAÍSES                 HOMBRES           MUJERES
Alemania                76 años                    81 años
China                     70 años                    73 años
Dinamarca              75 años                    79 años
España                   76 años                    83 años
Hungría                  68 años                    77 años
Japón                     78 años                    85 años
Marruecos             67 años                    72 años
Mozambique          41 años                    43 años
Inglaterra               76 años                     80 años
Zambia                  38 años                     37 años

La evolución de la población española

A principios del siglo XX, la población de nuestro país solamente alcanzaba los 19 millones de habitantes mientras que en la actualidad son ya 45.2 millones de habitantes de los cuales 6 millones viven en la Comunidad de Madrid.
Las características que han hecho que nuestro país sea uno de los que más han evolucionado si miramos en la población son las siguientes :

* Descenso de la natalidad en España.
* Elevada esperanza de vida.
* Aumento en la población urbana.
* Llegada de inmigrantes masiva.

También hay que considerar un aumento de la población gracias, por ejemplo, a la incorporación de la mujer al mundo laboral, nuestro modelo de vida y los cambios en la estructura familiar.

EL MODELO DE TRANSICIÓN DEMOGRÁFICA

En nuestro país el modelo de transición demográfica se inició tarde respecto a otros países europeos, pero el proceso se completa por las mismas razones que en aquellos países :

* Hasta principios del siglo XX la población se caracterizó por una elevada tasa de natalidad ( babyboom ), pero también se caracterizaba por una elevada tasa de mortalidad.Es lo que llamamos estabilidad demográfica.
* Entrado  ya en el siglo XX, la mortalidad empieza a disminuir y la diferencia entre la mortalidad y la natalidad dio lugar a un crecimiento natural o vegetativo muy fuerte que se prolongó hasta mediados de los años 70.
* A partir del año 1975, la natalidad cae de forma espectacular y es a partir de ese momento cuando España, con una natalidad baja y una esperanza de vida bastante larga, inicia un proceso de envejecimiento.
* En España somos 45.2 millones de personas, de los cuales 4.5 millones son extranjeros, que actualmente son los que han mantenido la tasa de fecundidad bastante alta.

Geografía.Resumen

Los 4 países más numerosos de todo el mundo son :
* China.                   * Estados Unidos.     
* India.                     * Indonesia.

El númerode habitantes en el mundo es de 6.500.000.000 de personas.

La tasa de natalidad y mortalidad en España, nuestro país, es de :

* NATALIDAD : 10.96 %o.
* MORTALIDAD : 8.43 %o.

El número de hijos / as por mujer en España es de 1.38 niños     

Biografía de Bernini

Gian Lorenzo Bernini nació en la ciudad italiana de Nápoles el 7 de diciembre de 1598.Fue escultor, arquitecto y pintor italiano.A Bernini se le considera como el gran genio del barroco italiano, el heredero de la fuerza escultórica de Miguel Ángel y el principal modelo del Barroco arquitectónico en Europa.Aprendió los rudimentos de la escultura en el taller de su padre, Pietro, un escultor manierista de cierto relieve.Fue también su padre quien lo puso en contacto con algunos de los mecenas más importantes de su tiempo, lo que le permitió manifestar su talento de una forma bastante pronto.En sus obras más tempranas como El Rapto de Proserpina o Eneas, resultan ya evidentes la ruptura con el manierismo tardío y una concepción radicalmente distinta de la escultura.El intenso dramatismo, la grandiosidad y la búsqueda de efectos escenográficos ya están presentes en estas primeras creaciones.

En 1629, Bernini fue nombrado arquitecto de la basílica de San Pedro por el papa Urbano VIII.Desde ese momento hasta su muerte, Bernini trabajó sin parar para los sumos pontífices, salvo un cierto tiempo, porque durante el pontificado de Inocencio X, prefirió a otros artistas y le encargó pocas obras.De sus realizaciones para San Pedro destacan el gran Baldaquino sobre el altar mayor y el grupo escultórico de los Padres de la Iglesia que, observado a través de las columnas del Baldaquino, ofrece efectos de una gran fuerza teatral.

Bernini trabajó también para mecenas privados, y fruto de esa colaboración es la obra quizá más representativa de su estilo escultórico, el Éxtasis de Santa Teresa.Resulta difícil concebir una mayor intensidad dramática y una mayor fuerza dinámica en una realización de pequeñas dimensiones ejecutada mediante un tratamiento exquisito del mármol.Por su condición de elemento para la decoración de una capilla y sus magníficos efectos de la técnica del claroscuro, se considera esta obra como una de las más grandes entre los tres artes mayores, arquitectura, escultura y pintura, y por ello ha quedado como modelo incomparable de la escultura barroca.

Con sus hermosos edificios barrocos, Bernini colaboró como nadie en la renovación urbanística de Roma, a la cual aporto así mismo multitud de estatuas y algunas fuentes monumentales que todavía contribuyen en la actualidad a la belleza de la urbe.La que le encargó Inocencio X para decorar la piazza Navona, llamada Fuente de los cuatro ríos, es la más espectacular de estas realizaciones.Bernini ya era pintor por afición y sus obras se conservan hoy en los museos más reputados por su gran calidad, lo mismo que sus dibujos, que figuran en las mejores colecciones del mundo.

Finalmente Gian Lorenzo Bernini murió en la capital italiana de Roma el día 28 de noviembre de 1680.

Las Meninas

Las Meninas es el cuadro por el que más se reconoce al pintor Diego Velázquez, tal vez sea por la belleza o tal vez por su autorretrato ( parte izquierda ).El cuadro en sí mide 3.18 metros de largo y 2.76 metros de ancho.Velázquez lo pintó en el año 1656 y actualmente está expuesto en el Museo del Prado ( Madrid ).

En el medio del cuadro podemos ver a la infanta Margarita rodeada de su familia en una sala del Alcázar de Madrid.

Este cuadro está construído a partir de una enorme habilidad por el uso de la luz, la perspectiva... hasta de su retrato.De su tema podemos decir que se han dicho varias cosas, pero la que destaca entre las demás es la de la reivindicación de la nobleza.Como ya he dicho antes, Velázquez se autorretrata en la parte izquierda para que quede plasmado la supremacía del arte de la pintura.El perro que aparece en la parte inferior de la derecha es de la raza mastín y pertenece a dicha familia.

Detrás de dicha familia, aparecen conversando las guardadamas, y al fondo, en la puerta, el aposentador José Nieto y en la parte central del cuadro, en un espejo aparecen reflejados los reyes Felipe IV y Mariana de Austria, lo que dice mucho de la complejidad de dicho cuadro

Las Hilanderas

El cuadro de La Fábula de Aracne, más conocido como Las Hilanderas es un cuadro de Diego Velázquez, conservado actualmente en el Museo del Prado, en Madrid y es una de las obras de la pintura barroca españolas, considerada también como una de los grandes ejemplos de la maestría de la pintura de Velázquez.Su tema es enigmático, puesto que no se conoce el verdadero propósito de la obra que quería dar el pintor.

Velázquez pintó el cuadro hacia el año 1657, en " su gran etapa ", para un cliente particular, Pedro de Arce. Como pintor del rey, Velázquez no solía atender encargos privados, pero en este caso hizo una excepción porque Arce era montero de Felipe IV, es decir, organizaba sus jornadas de caza, y, por tanto, tenía ciertas influencias en la corte de Madrid.A principios del siglo XVIII el cuadro pasó a formar parte de las colecciones reales y más tarde ingresó en el Museo del Prado.

Durante mucho tiempo se consideró a estas mujeres hilanderas como un cuadro de género en el que se mostraba una jornada de trabajo en el taller de la fábrica de tapices.En primer plano se ve una sala con cinco mujeres que preparan las lanas.Al fondo de la imagen, detrás de ellas, y en una estancia que aparece más elevada, aparecen otras tres mujeres muy bien vestidas, que parecen contemplar un tapiz que representa una escena mitológica.

Durante mucho tiempo se consideró éste su único asunto. Sin embargo, a causa de la propia entidad del cuadro y por la ambigüedad de significados presentes en algunos de los lienzos más significativos de Velázquez, debemos resistirnos a interpretarlo como una sencilla escena cotidiana.Actualmente se admite como un cuadro de tema totalmente mitológico.

La Venus del Espejo

La Venus del Espejo es un cuadro del pintor más destacado de la época del siglo de Oro español, Velázquez, en el año 1599.Actualmente se encuentra en el museo National Gallery de Londres, en Inglaterra donde se la llama como The Toilet of Venus o The Rockeby Venus.El apodo de
" Rockeby ", proviene de que durante todo el siglo XIX estaba en el " Rokeby Hall " de Yorkshire ( Inglaterra ).Este cuadro, anteriormente perteneció a la Casa de Alba y a Godoy, época en la que seguramente se conservaba en el Palacio de Buenavista, en Madrid.
La obra representa a la diosa Venus en una pose erótica, tumbada sobre una cama y mirando a un espejo que sostiene el dios del amor sensual, su hijo Cupido.Se trata de un tema totalmente mitológico al que Velázquez, como es típico en él, da trato mundano.No trata a la figura como a una diosa sino que simplemente la trata como a una mujer, lo que pasa que esta vez, prescinde del toque irónico que emplea con Baco, Marte o Vulcano.

Exactamente no se sabe perfectamente cuando se pintó.Se dice que fue en el año 1648, antes del segundo viaje a Italia de Velázquez.Y otros lo sitúan en el año 1649, aunque la parte oficial dice que fue entre los años 1647 y 1651.

PROPIETARIOS

Como ya he dicho antes, la pintura aparece escrita en el año 1651 entre los bienes de Gaspar de Haro y Guzmán y pasó luego a su hija, Catalina de Haro y Guzmán, la octava marquesa del Carpio, y su esposo, Francisco Álvarez de Toledo, el X duque de Alba y estuvo desde los años 1688 a 1802 en poder de la Casa de Alba.En el 1802, Carlos IV de España ordenó a la familia que vendiera la pintura a Manuel Godoy, que era su favorito y primer ministro del rey Carlos IV de España.

La Fragua de Vulcano

La Fragua de Vulcano es una obra de Diego Velázquez pintada en Roma en el año 1630, durante su primer viaje a Italia.Este cuadro fue pintado sin mediación de encargo, por iniciativa del propio pintor quien los conservó en su poder hasta el año 1634, vendiéndolos a la corona en esta fecha, junto con otras obras de mano ajena, para la decoración del nuevo Palacio del Buen Retiro.Actualmente se encuentra en el Museo del Prado de Madrid donde ingresó el día 5 de agosto de 1819.

El cuadro narra cuando Apolo le da la noticia de la desgracia en el adulterio de Venus con Marte, en donde Vulcano está tan descolorido y turbado, que parece que no respira.El motivo está tomado de Las metamorfosis de Ovidio, y refleja el momento en que Apolo, el dios Sol que todo lo ve, revela a Vulcano el adulterio de Venus con Marte, del que él ha sido el primero en tener noticia.El herrero Vulcano, esposo ofendido al recibir la noticia, perdió a la vez el dominio de sí y el trabajo que estaba realizando con sus manos.

TEMA

El tema tenía poca tradición iconográfica. Algo más corriente era representar el momento inmediatamente posterior,  en donde Ovidio presenta a Vulcano sorprendiendo a los adúlteros y cogiéndolos en una red, haciéndolos objeto de la mofa de los dioses.

La Bacanal

La Bacanal es un cuadro pintado por el pintor italiano Tiziano en el año 1519 hasta el 1520 y se encuentra actualmente también en el Museo del Prado de Madrid.

Aquí se representa un tema mitológico, una bacanal, fiesta del dios del vino, Baco.El cuadro se llama así porque se enmarcó en la isla de Andros y la inspiración literaria de esta obra proviene de la obra de Filostrato y la de Catulo.El tema y la composición de esta tabla remite a un cuadro de Bellini, El Festín de los dioses, en la que se ve como Tiziano dinamiza la escena con vivos movimientos y la línea ascendente diagonal que, desde la esquina inferior izquierda, va subiendo hasta alcanzar la figura del anciano que duerme en la parte superior de la derecha.

Todo el cuadro desprende la alegría sensual del vino, incluyendo algún desnudo, como el de la parte derecha, figura que recuerda a una Venus y que es ejemplo de la cuidadosa composición por parte del autor. Podría estar representando a Ariadna, que es un personaje relacionado con Baco.Los personajes se agitan por toda la parte inferior de la tela, unas se inclinan hablando, otras beben vino, otras bailan, con brazos y piernas formando líneas curvas... hasta se pasan el vino los unos a los otros.

La mujer recostada que ocupa el primer plano del centro de la tela se dice que es Violante, de quien el pintor estaba enamorado por entonces.

Los Borrachos

El triunfo de Baco, más conocido como Los Borrachos, es un cuadro pintado por Diego Velázquez en el año 1628 hasta el 1629 y actualmente se puede ver en el Museo del Prado de Madrid desde el año 1819.Se pintó poco después de la llegada del pintor a Madrid procedente de Sevilla.En la capital Velázquez pudo contemplar la colección de pintura italiana del rey y quedar impresionado por los cuadros de desnudo que tenía la colección así como por los del tema mitológico.

El cuadro describe una escena donde aparece el dios Baco que corona con hojas de hiedra, a uno de los siete borrachos que lo rodean.Podría tratarse de un poeta inspirado por el vino.Otro personaje semi - mitológico observa la coronación mientras que algunos de los personajes que acompañan al dios miran al espectador mientras sonríen.

En ella se representa a Baco como el dios que premia o regala a los hombres el vino el cual libera de forma temporal a los hombres de sus problemas.En la literatura barroca, Baco era considerado como la liberación del hombre frente a su esclavitud de la vida diaria pero también puede que Velázquez realizara una parodia de dicha alegoría, por considerarla mediocre.

El dios esta metido en la obra como una persona más dentro de la pequeña celebración que se representa pero proporcionándole una piel más clara que a los demás para reconocerlo con mayor facilidad.

La escena puede dividirse en dos mitades.Una es la de la izquierda, con la figura de Baco, que está muy iluminada y está cercana al estilo italiano inspirado en Caravaggio.Destaca la idealización en el rostro del dios, la luz clara que lo ilumina y el estilo más bien clasicista.La parte de la derecha, en cambio, presenta a unos borrachines, hombres de la calle que nos invitan a participar en su fiesta, con un aire muy español similar a Ribera.No hay en ellos ninguna idealización, sino que presentan rostros viejos y desgastados. Tampoco se mantiene en este lado la clara luz que ilumina a Baco, sino que estas figuras están sumidas en un claroscuro bastante claro y es que además, lo trata con una pincelada más impresionista.

En esta obra, Velázquez introduce un aspecto profano en un asunto mitológico, en una tendencia que cultivará aún más en los siguientes años.

Hay varios elementos que dan naturalismo a la obra como son la botella y el jarro que aparecen en el suelo junto a los pies del dios, o el realismo que presenta el cuerpo de este.Jugando con los brillos consigue dar relieve y texturas a la botella y al jarro creando un parecido con el bodegón.Estas jarras son muy similares a las que aparecen en cuadros pintados por Velázquez durante su etapa sevillana.

Retrato de Felipe IV por Velázquez

Este cuadro de Felipe IV lo hizo Diego Velázquez en el año 1635 y se puede ver en el museo National Gallery de Londres ( Inglaterra ).Como se puede ver es un retrato del rey Felipe IV en el que un joven de pocos conocimientos, conoce a Velázquez y decide que él va a ser el pintor que le retrate.La razón por la que el rey eligió a Velázquez fue el realismo mostrado por el pintor, que no idealizaba a su retratado sino que lo hacía parecer más humano, con sus defectos y sus virtudes.En esta obra la luz se hace más fuerte, la escena y las tonalidades grises contrastan con el negro del fondo ( claroscuro ), distribuyendo las sombras en el suelo.Como vemos tiene la mano apoyada sobre la mesa, que significa poder.Aquí, el elemento característico del rey es el traje de plata y castaño que lleva puesto.Durante su época fue el retrato más conocido y cotizado.

El cuadro lo hizo el pintor en el primer viaje que hizo hacia Italia, por la década de los años 30, por lo que tiene rasgos de la escuela veneciana en el colorido.También podemos ver que el rey lleva la cadena de la Orden del Toisón de Oro.El cuadro es un retrato a tamaño natural, cosa muy poco unusual de aquella época.

Vieja friendo huevos

La Vieja friendo huevos es una obra realizada al óleo sobre un lienzo pintada por Diego Velázquez en su primera etapa como pintor en Sevilla, antes del año 1622, en la que va a viajar a Madrid donde posteriormente se instalará.Podemos contemplarla en el museo National Gallery de Londres.
Como todas sus obras de esta etapa, su estilo es el naturalismo tenebrista, en el que las figuras aparecen en un primer plano destacando sobre el fondo oscuro, fuertemente iluminadas por un foco de luz único ( claroscuro ), externo al cuadro y que normalmente entra por la izquierda del mismo.Así se ilumina la mujer que da título a la obra, el niño que la acompaña, la cazuela de barro en la que fríe los huevos y una serie de enseres y utensilios de cocina que aparecen representados.Del fondo apenas se distingue nada, solamente algunos elementos que cuelgan de la pared.Se ve que el cuadro trata sobre un tema que hacemos normalmente en la vida cotidiana.
 En este cuadro, Velázquez respeta el modo tenebrista de cortar a las figuras por la rodilla y representarlos muy en primer término.Esta es una de las " recetas " que aprendió en el taller de Pacheco, su maestro sevillano.El foco de luz que ilumina la escena está muy alto, iluminándolas a modo de foco teatral.Por su disposición, recuerda a los cuadros de Ribera, ( pintor español residido en Nápoles ), que introduce el tenebrismo caravaggiesco en España.
Pero aún en esta etapa temprana de su pintura empezó a romper los moldes de sus maestros, como por ejemplo, el fondo de la escena no queda totalmente en penumbra y oscuro, sino que aclara ciertas zonas del mismo con más planos creados por la luz que los tenebristas típicos.También la gama cromática es más variada, ya que aunque observamos ese color mate madera característico de esta primera etapa, predomina el betún y el rojo, que utiliza en contraste con los blancos.Poco a poco Velázquez va iniciando un arte más vivo que los pintores anteriores, observando la realidad y copiando los modelos con sus movimientos y expresiones, lo que se refleja también en esta obra.Sus características más " visibles " son :

* El realismo representado en la acción.

* La técnica del claroscuro.

Biografía de Velázquez

Diego Rodriguez de Silva y Velázquez, más conocido como Diego Veláquez nació el 5 de Junio del 1599.Fue un pintor Barroco y considerado como uno de los mejores exponentes de la pintura española y maestro de la pintura universal.
Los primeros como pintor los pasó en Sevilla, donde desarrolló un estilo naturalista de iluminación tenebrista, por la influencia de Caravaggio y sus seguidores.A los 24 años se trasladó a Madrid, donde fue nombrado pintor del rey Felipe IV y cuatro años después fue ascendido a pintor de cámara, que es el cargo más importante entre los pintores de la corte.A esta labor dedicó el resto de su vida.Su trabajo consistía en pintar retratos del rey y de su familia, así como otros cuadros destinados a decorar las mansiones reales.La presencia en la corte le permitió estudiar la colección real de pintura que junto con las enseñanzas de su primer viaje a Italia, fueron influencias determinantes para evolucionar a un estilo de gran luminosidad, con pinceladas rápidas y sueltas.En su madurez, a partir del año 1631, pintó de esta forma grandes obras como La Rendición de Breda.En su última década su estilo se hizo más esquemático y alcanzó un dominio extraordinario de la luz.Este periodo se inauguró con el Retrato del papa Inocencio X, pintado en su segundo viaje a Italia, y a él pertenecen sus dos últimas obras maestras : Las Meninas y Las Hilanderas.
Su catálogo es de unas 120 ó 125 obras.El reconocimiento como pintor universal se produjo tarde, hacia el año 1850.Alcanzó su máxima fama entre los años 1880 y 1920, coincidiendo con los pintores impresionistas franceses, para los que fue un referente.Manet, pintor francés, se sintió maravillado con su pintura y lo calificó como " pintor de pintores " y " el más grande pintor que jamás ha existido ".

La parte fundamental de sus cuadros que integraban la colección real se conserva actualmente en el Museo del Prado de Madrid.Finalmente Diego Velázquez murió el 6 de agosto de 1660

Los Jardines de Sabatini

Los Jardines de Sabatini son unos jardines, como su propio nombre indica, que están situados frente al Palacio Real de Madrid y ocupan una extensión de 2.54 hectáreas.Los jardines fueron construídos en los años 30 del siglo XX ( 1930 - 1939 ), tras la proclamación de la Segunda República en el lugar que ocupaban las caballerizas del arquitecto Francesco Sabatini, al lado del Palacio Real.

El Gobierno de la República ordenó la incautación de diferentes bienes del Patrimonio Real, cediéndolo al Ayuntamiento de Madrid para poder levantar un parque público. El proyecto fue adjudicado al arquitecto Fernando García Mercadal tras resultar ganador en el concurso convocado.En el año 1972 se reformaron los jardines, construyéndose las escaleras monumentales.

Se trata de un jardín de estilo neoclásico acorde con el palacio.El jardín se divide en tres terrazas: la inferior, marcada por la simetría de los parterres a ambos lados de una gran lámina de agua a modo de espejo con dos surtidores, y enmarcada por cuatro cuadros con sendas fuentes rodeadas por figuras de seto;  la segunda, que forma un impresionante balcón sobre la primera, en donde se domina la totalidad de la fachada norte de Palacio y que bajo un bosque de pinos se extiende hacia arriba, en donde se encuentra una nueva escalera de doble entrada que salva el desnivel hasta la calle; y la tercera, que está en una altura superior y al Este de la segunda terraza, con un juego de parterres y grandes cedros.

CARACTERÍSTICAS

* Superficie : 26.589 m2.

- Árboles : 1.- Pino Piñonero........ 39 %.
                 2.- Ciprés común........ 28 %.
                 3.- Arce........ 9 %.
                 4.- Cedro........ 8 %
- Arbustos : 1.- Ligustrina........ 79 %.
                   2.- Boj........ 18 %.
                   3.- Ciprés........ 3 %.
- Macizos arbustivos : 1.- Escalonia........ 55 %.
                                  2.- Celinda........ 35 %.
                                  3.- Rosas........ 10 %. 

El Palacio Real

El Palacio Real de Madrid es la residencia oficial de Su Majestad El Rey de España y se emplea para las ceremonias de Estado, aunque el Rey no vive aquí.
Sus orígenes son en el siglo IX cuando el reino musulmán de Toledo construyó una edificación defensiva que poco después usaron los reyes de Castilla, sobre la que en el siglo XVI, se construyó el Antiguo Alcázar.El Alcázar cayó destruído por un incendio en la Nochebuena del año 1734, y Felipe V quiso que el Palacio Nuevo ocupase el mismo lugar.Toda la construcción se hizo abovedada ( en forma de bóveda ), en piedra y ladrillo, sin madera, para que ningún incendio pudiera destruirlo.Las obras se realizaron entre los años 1738 y 1755, estableciendo Carlos III su residencia en él en el año 1764.
Para su decoración interior, se emplearon ricos materiales como mármoles españoles, madera de caoba en puertas y ventanas e importantes obras de arte, sobre todo las pinturas al fresco de los principales artistas del momento como Giaquinto o Tiepolo y sus seguidores españoles Bayeu y Maella.
La decoración del Palacio Real de Madrid ha ido cambiando con el paso del tiempo según los diferentes estilos artísticos de cada momento.Del reinado de Carlos III se conservan el Salón del Trono, la Cámara del Rey y la Sala de Porcelana, obra de la Real Fábrica del Buen Retiro.Del reinado de Carlos IV destaca el Salón de Espejos y de la época Alfonso XII el Comedor de Gala.

EL CAMPO DEL MORO

Los jardines del Palacio llamados Campo del Moro, tienen su origen en la época de Felipe II, aunque su aspecto actual es desde el año 1890.La plaza situada al Este de Palacio, de ahí su nombre de Oriente, recientemente remodelada, está adornada con varias de las esculturas de reyes de España realizadas durante el reinado de Fernando VI, para la decoración exterior del Palacio.

Plaza Mayor de Salamanca

La Plaza Mayor de Salamanca es una de las plazas más bellas de este país, tal vez, la mejor.Fue construída entre los años 1729 y 1755 y sirve como punto de encuentro para ciudadanos de otros países o como espacio para albergar una corrida de toros.

Está entre cuatro fachadas, cada una de tres pisos, de las cuales una de ellas es la del Ayuntamiento de Salamanca coronada por una espadaña en la que reinan tres campanas.Bajo estas fachadas se encuentran distintos bares y pastelerías que animan a esta plaza y es lo que lo llaman el ágora de la ciudad.Es de estilo Barroco del siglo XVIII y es aquí donde se desarrolla la mayor parte de la vida tanto estudiantil como cotidiana.Se compone de 88 arcos de medio punto levantados sobre unos fuertes pilares y adornados con medallones de personajes ilustres de la historia de España.

Plaza Mayor de Madrid

La Plaza Mayor de Madrid es uno de los monumentos más característicos de la capital española.Se encuentra en en mismo centro de la ciudad y está muy cercano a la Puerta del Sol de Madrid.
Su origen es en el siglo XV.En ese momento se ubicaba en aquél lugar el mercado principal de la villa, entonces se construyó una primera casa porticada, o lonja, de manera que se pudiera controlar el comercio en la plaza.

En el año 1580 Felipe II realizó el proyecto de remodelación de la plaza a Juan de Herrera, empezando así la demolición de las " casas de manzana “. El levantamiento del primer edificio para la nueva plaza fue la Casa de la Panadería.

Esta plaza ha tenido tres incendios grandes a lo largo del tiempo.Las obras se desarrollaron hasta 1854, continuando pese al fallecimiento de Villanueva.

En el año 1848 se instaló la estatua ecuestre de Felipe III al centro de la plaza, este monumento fue realizado por Juan de Bolonia y Pietro Tacca en el año 1616.

La Casa de la Panadería fue restaurada en el 1880 y estuvo a cargo de Joaquín María de la Vega, en 1921 fue reformado el caserío, en 1935 se hizo otra reforma hecha por Fernando García de Mercadal.

Y la restauración general se hizo en los años 60, cerrando el paso al tráfico rodado, habilitando un aparcamiento subterráneo bajo la plaza. La restauración más reciente se hizo en 1992, y consistió en la decoración mural, y estuvo a cargo de Carlos Franco.

En la parte alta, en el centro de la casa de la Panadería hay un escudo de España que tiene las armas usadas en el tiempo de Carlos II.Se compone por las armas de Castilla y de León, Aragón y Sicilia, Austria y de la Borgoña moderna, Borgoña antigua y Brabante, Flandes, las del Tirol, y el símbolo de Granada hacia el centro del escudo.

Una de las nueve puertas que tiene la plaza es la del Arco de los Cuchilleros que está en la esquina suroeste, tiene una altura bastante grande, debido al desnivel existente entre la Plaza Mayor y la Cava de San Miguel. Esta obra fue realizada por Juan de Villanueva.El origen del nombre se debe a que su salida da hacia la calle de Cuchilleros, donde antiguamente estaban los talleres del gremio de cuchilleros, quienes proveían sus artículos al gremio de carniceros que se ubicaba dentro de la plaza.Actualmente la Plaza Mayor y la calle de Cuchilleros son un lugar turístico destacado de España.Actualmente la Plaza Mayor se utiliza para varios actos como la celebración de las fiestas de San Isidro o las campanadas de Fin de Año, en el reloj de la Puerta del Sol

La Incredulidad de Santo Tomás

La Incredulidad de Santo Tomás es una obra pintada, otra vez más, por Caravaggio en el año 1602.En la escena nos muestra la resurrección de Cristo ante sus discípulos, pero Tomás no lo cree y Jesús le ofrece a que toque sus heridas, Tomás acepta y mete uno de sus dedos en la llaga del costado derecho de Cristo.La acción podría parecer un  poco exagerada, pero es el hecho que demuestra perfectamente la aparición de Cristo ante sus discípulos.Caravaggio hizo esto para que la gente que se fijara en el cuadro, ponga su mirada en la prueba física que demuestra el naturalismo de la acción.

Cristo aparece en una especie de cadáver, envuelto en una sábana en el que el pecho está totalmente hundido y pareciendo a que la muerte se resiste a dejarlo marchar.El cuadro es de estilo Barroco italiano.Sus características son :

* La técnica del claroscuro.
* Mucha tensión.
* Bastante realismo y movimiento.

La Conversión de San Pablo

La Conversión de San Pablo es un cuadro pintado por el autor italiano Caravaggio en el que emplea el mismo lenguaje, aparentemente vulgar, de la Crucifixión de San Pedro para dar cuenta de uno de los más poéticos milagros que nos cuenta el propio San Pablo.
Cuenta el mito que un joven llamado Saulo, que era perseguidor de los cristianos hasta que un día fue derribado por un caballo que llevaba una fuerte luz.Este cuadro fue fuertemente criticado porque la escena parece tener lugar en un establo y para rematarlo la escena es de noche.Las características de este cuadro son las siguientes :

* La técnica del claroscuro.
* Las dimensiones, inmensas, del caballo.
* La ausencia de personas.

* El rostro del muchacho, que está en pleno éxtasis.

La Cena de Emaus

La Cena de Emaus es un cuadro que pinta Caravaggio en el año 1599 y que marca un giro radical dentro de sus obras, dando inicio a la técnica del claroscuro en sus obras e introduciendo motivos religiosos en ellas.El cuadro tiene una altura de 1.40 metros de largo y 1.97 metros de ancho y actualmente se conserva en la National Gallery de Londres.

El tema tratado es la constatación de la Resurrección de Cristo y la vigencia de los sacramentos, especialmente la Eucaristía, que en aquellos era temática de carácter contrarreformista al ser, este, un sacramento negado por los protestantes.

El espacio es creado por medio de las posiciones escorzadas de la mesa y la cubertería.Cristo partiendo el pan en el momento de la Eucaristía es el eje axial de la composición, encontrándose iluminado por un foco de luz, dirigiendo hacia él la atención sus discípulos, que lo reconocen asombrados.La composición tiene un carácter teatral y dramático, con un magnífico estudio de la tranquilidad de Cristo, la emoción, alegría de sus discípulos y la extrañeza del posadero.Este nuevo estilo se vera materializado en una nueva serie.Su protector María del Monte introducirá a Caravaggio en el mercado artístico con el encargo de realizar tres grandes lienzos para la capilla Cantorelli en San Luis de los Franceses de Roma, según había dispuesto en su testamento el cardenal del mismo nombre.

La Fontana di Trevi

La Fontana di Trevi es una fuente que se encuentra en Roma, precisamente en el rione de Trevi.Tiene un estilo Barroco y mide 29.5 metros de largo y 19.8 metros de ancho.

HISTORIA

La fuente está situada en el cruce de las tres calles ( tre-víe ), marcando el final de uno de los acueductos que suministraba agua a la ciudad de Roma.En 1453, el papa Nicolas V terminó de reparar el acueducto Aqua Virgo y sólo construyó una simple pila, diseñada por el arquitecto Leon Battista Alberti, para anunciar la llegada del agua.

En 1629 el papa Urbano VIII, encontrando la fuente anterior insuficientemente dramática, pidió a Bernini que hiciese posibles renovaciones a la fuente, pero el proyecto fue abandonado cuando el papa murió.La contribución duradera de Bernini fue cambiar la situación de la fuente al otro lado de la plaza para que quedase frente al Palacio del Quirinal, de forma que el papa también pudiese verla y disfrutarla.Aunque el proyecto de Bernini fue desechado en favor del de Salvi.Los concursos se habían puesto de moda durante el Barroco para rediseñar edificios, fuentes e incluso la Plaza de España. En 1730, el papa Clemente XII organizó un concurso sobre la fuente en el que Salvi perdió, a pesar de lo cual recibió el encargo.Los trabajos empezaron en el año 1732 y terminaron en en el año 1762, cuando el Neptuno de Bracci fue situado en el nicho central.

Las estatuas de Abundancia y Salubridad, en los dos nichos laterales fueron esculpidas por Filippo Della Valle.

Salvi murió en el 1751, con su obra a medio terminar, pero antes se aseguró de que la fea firma de un barbero testarudo no estropease el conjunto, escondiéndola tras una vasija esculpida. La Fontana di Trevi fue terminada en 1762 por Giuseppe Pannini.

RESTAURACIÓN

En el año 1998, la fuente fue restaurada, limpiando las piedras e instalando bombas de circuito cerradas y con oxigenadores.

LA COSTUMBRE DE ARROJAR MONEDAS

Una leyenda tradicional sostiene que los visitantes que arrojan una moneda a la fuente aseguran su regreso a Roma, dos monedas llevan a un nuevo romance y tres aseguran un matrimonio o un divorcio.Otra versión de esta leyenda es que trae suerte arrojar tres monedas con la mano derecha por encima del hombro izquierdo a la fuente.

Se estima que se arrojan unos 3000€ diarios a la fuente.

La plaza de Nabonna

La plaza de Nabonna se encuentra en Roma, en el antiguo circo Agonalis cuyo circo fue construído en el año 86 d.C. y tenía aforo para 33.000 personas.Es por este motivo por lo que la plaza  tiene forma ovalada.La piazza Navona, en italiano, tiene 270 metros de largo y 55 metros de ancho.

HISTORIA

En el año 1477, el Papa Sixto IV, trasladó a la piazza Navona el mercado central hasta el año 1869, que es cuando dejo de estar allí para trasladarse a la Piazza Campo dei Fiori.Hasta el siglo XIX, se celebraban varios actos de fiesta ( espectáculos y celebraciones ) en dicho sitio y en agosto se llenaba completamente la plaza de agua.En navidades, la piazza se decora con varios juguetes y objetos de adorno.
La piazza Navona es de estilo Barroco, y prueba de ello son las tres fuentes que se encuentran en las esquinas llamadas :
* La fuente de Neptuno.
* La fuente del Moro.
* La fuente de los Cuatro Ríos.

Actualmente, en verano, la plaza se llena de artistas callejeros y de vez en cuando se utilizan las grandes dimensiones de la plaza para exponer pequeñas o grandes exposiciones.

El Éxtasis de Santa Teresa

El Éxtasis de Santa Teresa es un obra realizada por Bernini en el año 1647 hasta el 1652.Es una obra que es encargada antes por el cardenal Federico Cornaro en la que al observador se le atrapa en medio de un juego de relaciones, convirtiéndole en parte del hecho artístico, en espectador activo de una representación viviente.En esta capilla, Bernini supo dar vida al espectáculo total, creando un cuadro teatral fijo en el que se transpone la celda conventual de Santa Teresa en el momento en que, sufriendo una gran experiencia, disfruta de la unión suprema con Cristo. De esta visión, entre lo sobrenatural y lo humano, el observador es testigo gracias a que el convexo edículo arquitectónico, de grandes mármoles y bonito bronce dorado, sobre el altar es un bambalinón que reduce la embocadura del escenario.En el cuadro se utiliza la técnica del claroscuro, que se materializa en un haz de rayos dorados que envuelve a los personajes, suspendidos en medio del aire sobre un muchas nubes, es la gloria que posibilita el vuelo entre los focos de luz indirecta de la iluminación escénica.
El grupo es en sí mismo una de las más exquisitas esculturas de la historia del arte, insuperable en su interpretación del éxtasis como turbamiento espiritual y sensual a un tiempo, pero también por su alta  técnica.

También una de sus características es que dicha figura está en pleno movimiento y una anécdota es que, a la iglesia no le gustó porque decía que era demasiado " escénico ".

Apolo y Dafne

La escultura de Apolo y Dafne es una escultura realizada por Bernini y tiene un mito que cuenta.
El nombre de Dafne significa en griego " laurel ", es una ninfa que un día prometió no enamorarse nunca de un varón hasta que un día, un chico llamado Apolo la escucha cantando una canción y se enamora de ella locamente pero Dafne no.Ella intentó decirle que parara de decirla esas palabras bellas pero Apolo tan enamorado de ella, sigue con sus palabras mágicas.Dafne al ver que no paraba, echa a correr, mientras Apolo la seguía.La chica pide ayuda a la Tierra, y ésta la oye que, como un milagro, la empieza a transformar en un árbol.Su piel queda recubierta por la corteza de dicho árbol y en su pelo se empieza a desentramar un denso ramaje en el que el rostro desaparece tras de la corteza y cuyo cuerpo se convierte en el tronco.

Al final, Dafne queda fijada con las raíces del árbol hundida en la tierra, rígida e inmóvil y Apolo abraza tristemente al árbol y declarando que ese árbol será consagrado a su culto. 

El Rapto de Proserpina

El Rapto de Proserpina es una escultura en la que se representa el momento en el que Plutón, dios de los infiernos, rapta a Proserpina.Se realizó en el año 1621 y se terminó en el 1622.
Cuenta el mito que Plutón se enamoró de ella.Plutón vivía solo en la oscuridad, lo que explica la intervención de Venus que es la diosa del amor llamando a Cupido para que lanze su flecha sobre él.
Proserpina forcejeó fuertemente para librarse de Plutón, hizo todo lo que pudo, llamó a su madre... pero no pudo hacer nada porque Plutón ya la había metido en las entrañas de la Tierra.Al desaparecer, su madre, Ceres la empezó a buscar por todas partes, pero nadie aparecía por ningún lado y, como era la diosa de la tierra, cada cosa que pisaba se convertía en desierto.En ese momento es donde entra Júpiter, que llama a Mercurio para que intente convencer a Plutón de soltar a Proserpina, pero Plutón no acepta tan fácilmente y hace un trato con Mercurio, que es estar 6 meses con él y 6 meses con su madre.
Aparte de este mito que cuenta la historia se une a él unas determinadas características, que son :

* La utilización de la técnica del claroscuro.
* Mucho movimiento en la acción.

* Bastante tensión acumulada en dicho movimiento. 

El David de Bernini

El David es una escultura realizada por Gian Lorenzo Bernini entre le año 1623 y 1624.Está hecha a tamaño real y ejecutada sobre mármol.Representa al futuro rey David en la escena en que derrota al gigante Goliat lanzándole una piedra con una honda.Al ser de estilo Barroco, se representan también sus defectos como la cara de concentración o las arrugas en vez de la perfección del Renacimiento.

De su cara podemos destacar esa cara de concentración que decíamos antes junto con las arrugas de la cara y la boca, haciendo fuerza para lanzar la piedra y en su cuerpo, en general, podemos distinguir que está curvado y con los músculos tensados.

La plaza de El Vaticano

La plaza del Vaticano está situada en Roma, en pleno centro de la ciudad.Fue construída entre el año 1656 y 1667, cuyo objetivo era crear un sitio capaz de acoger grandes citas de fieles.

El proyecto pretendía hacer una plaza cerrada, con dos brazos laterales, creando un espacio diferente y se pensó construír un tercer brazo, pero que al final no se construyó.Este diseño simboliza al pontífice coronado con la tiara ( cúpula de San Pedro ) y con los brazos abiertos, acogiendo a toda la cristiandad.El pontífice exigió en la construcción, que la plaza permitiera a que todos los situados allí vieran perfectamente todas las bendiciones papales que allí se hacían.Esta plaza está compuesta por dos plazas tangentes, una trapezoidal y otra elíptica en la que la trapezoidal se cierra hacia nuestro frente reduciendo ópticamente la fachada de Maderno y logrando que todos los espectadores perciban perfectamente la cúpula de Miguel Ángel.El número de filas que tiene en sus brazos son cuatro.

El Baldaquino

El Baldaquino es un monumento historico que está en la ciudad de Roma, concretamente en la ciudad de El Vaticano, en la Basílica de San Pedro.El Baldaquino fue constrído por Bernini cuando tenía 25 años, con la ayuda de su padre entre el año 1624 y 1633.Tiene un estilo Barroco.En sus esquinas tiene 4 columnas en sentido ascendente con forma de espiral, llamadas columnas salomónicas.Su altura es de 29 metros, lo han constrído encima de la tumba de San Pedro y bajo la cúpula de Miguel Ángel.
Cada columna que tiene El Baldaquino tiene una altura de 11 metros y cada una pesa 10 toneladas.En la decoración de dichas columnas se ve que están unos racimos de uvas y abejas en honor a la familia Barberini y su escudo.El Baldaquino está hecho de completamente de bronce.

Es una de las obras más representativas del estilo Barroco.

La pintura, la arquitectura y la escultura en el Barroco

La pintura en el Barroco tiene 5 grandes características que son las siguientes :

* En la representación se impuso el realismo, es decir, representar las virtudes y los defectos de esa pintura.
* Al representar esa pintura se intentó dar mayor movilidad y fuerza a la figura.
* Se utilizaba la técnica del " claroscuro ", es decir, mezclar colores sombríos con un luz intensa.
* Las figuras tenían una gran emotividad.
* Se caracterizaba por las escenas religiosas, los retratos, la mitología y la vida cotidiana en sus representaciones.

La arquitectura, que en el siglo del Barroco decide unirse al urbanismo.Su objetivo era emocionar y llamar la atención en el espectador, y para eso decide utilizar estas características :

1. El uso de la línea curva.
2. La utilización de columnas salomónicas, que daban una mayor sensación de movilidad.
3. Los efectos luminosos.
4. Abundancia de decoración y adornos en las esculturas.
5. La utilización de materiales ricos para dar una sensación de ostentación.

La escultura en el Barroco se caracteriza por su fuerza y su monumentalidad, además de estos otros términos :

* La dotación de rasgos físicos y movimientos naturales.
* La exageración de los sentimientos, que mostraban gran patetismo.
* Las figuras adquirieron una gran movilidad, energía y vitalidad.
* Se potenciaron los efectos luminosos.
* La temática era bastante variada.

El Barroco

El Barroco fue un periodo de la historia en la cultura occidental que produjo obras en el campo de la literatura, la escultura, la pintura, la arquitectura, la danza y la música, y que abarca desde el año 1600 hasta el año 1750 aproximadamente.Se suele situar entre el Renacimiento y el Neoclásico, en una época en la cual la Iglesia católica europea tuvo que reaccionar contra muchos movimientos revolucionarios culturales que produjeron una nueva ciencia y una religión dentro del propio catolicismo dominante : la Reforma Protestante.En resumen, el Barroco se caracterizó por la acumulación de las formas y los excesos ( columnas retorcidas, pilastras... ) y la grandiosidad y complejidad además de tener un papel importante en los conflictos religiosos.Tiene 7 características :

* Movimiento, energía y tensión.
* Contrastes de luces y sombras.
* Intensa espiritualidad ( éxtasis, montirios... ).
* Insinuación de enormes espacios.
* Naturalismo.
* Representación de sentimientos interiores.
* Intensidad e inmediatez.

Monarquía feudal, autoritaria y absoluta

La monarquía feudal son las monarquías que se desarrollaron en la Edad Media, en la Europa Occidental y están caracterizadas por la imposición de monarquías hereditarias en fuertes dinastías en el espacio de los reinos que surgen frente a los poderes universales del Papa y el Emperador y como cúspide de las relaciones de vasallaje propias del feudalismo.Se sitúa en el tiempo entre los siglos XI y XIII.Sus características son :

* Precoces monarquías nacionales.
* Reyes feudales que apenas tienen más poder que el que les confiere el mantenimiento de la fidelidad de sus vasallos.
* La pobreza de recursos impositivos a disposición de los reyes, que era crónica y el escaso dinamismo económico.
* La relación del rey y sus súbditos que era inexistente y que estaba intermediada por la nobleza feudal.

La monarquía autoritaria son las monarquías de Europa Occidental ( también se pueden llamar monarquías nacionales ) que surgieron a finales de la Edad Media y principios de la Moderna, en el surgimiento de lo que se ha llamado el Antiguo Régimen.La monarquía autoritaria tiene 2 grandes características, que son :

* La monarquía autoritaria tiene una forma de transición.
* El poder político se concentra en el rey, que es el que ha de mantenerlo de manera pactista, es decir, en equilibrio.

La monarquía absoluta es una forma de gobierno en la que el monarca ( como su propio nombre indica ) lleva el poder absoluto.Aquí no hay división de poderes, y aunque la administración de la justicia pueda tener una autonomía relativa en relación al rey, el monarca absoluto puede cambiar las decisiones.Este tipo de monarquía tiene 4 características :

* La autoridad del monarca provenía directamente de Dios.
* El poder del rey era absoluto y constituía la encarnación misma del Estado.
* Para gobernar, el monarca estaba auxiliado por ministros, consejeros, y secretarios.
* El poder real estaba restringido por la ley divina, el derecho natural y las limitaciones que imponían los Parlamentos o Cortes.

Palacio de Versalles

El Palacio de Versalles es un edificio que hizo la función de una residencia real en los siglos pasados.Está en Versalles y lo mandó construir Luis XIV de Francia.Este palacio tuvo 3 grandes etapas que son las siguientes:

* PRIMERA ETAPA : Fue desde el año 1661 hasta el 1668  en el que es un palacete de caza al que se añadieron dos alas laterales que, al cerrarse, conformaron la plaza de armas.Tiene fachadas de ladrillo.

* SEGUNDA ETAPA : Desde el año 1668 hasta el año 1678 en el que Luis XIV quiso trasladar definitivamente la corte a Versalles.Se añadieron dos alas laterales para dar prioridad visual al jardín, realizado por André Le Nôtre. La fachada que da al jardín está construida siguiendo el modelo italiano. Un primer piso de sillares almohadillados. Un piso noble de doble altura con crujías retranqueadas, jugando con entrantes y salientes y alternando columnas y pilastras.Y, por último, un tercer piso que sería el ático, rematado por una serie de figuras escultóricas que casi no dejan ver la caída de la cubierta.

* TERCERA ETAPA : Que fue desde el año 1678 hasta el 1692 en el que se realizó una ampliación, obra de Mansart en la que se construyó la capilla real, cuya capilla sería el actual Palacio Real de Madrid.
El jardín de Versalles es clasicista, ordenado y racionalizado.Crea una organización que relaciona todas las esculturas y fuentes y ensalza la monarquía. Las esculturas se señalan unas a otras. Progresiva civilización del jardín : muy ordenado, podado y cuidado en la zona próxima al palacio, y después se va asilvestrando, es decir que se hace más silvestre a medida que nos alejamos del palacio.

El conjunto del palacio y parque de Versalles, incluido el Gran Trianón y el Pequeño Trianón fueron declarados Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en el año 1979

Luis XIV de Francia

Luis XIV de Francia nació el 5 de septiembre de 1638, fue rey de Navarra y de Francia hasta su muerte ( 76 años ).También fue co-príncipe de Andorra desde 1643 hasta 1715 y conde rival de Barcelona durante la sublevación catalana desde 1643 hasta 1652, como Luis II.
Luis XIV fue el primogénito y sucesor de Luis XIII y de Ana de Austria.Incrementó el poder y la influencia francesa en Europa, combatiendo en tres grandes guerras: la de Holanda, la de los Nueve Años y la de la Sucesión Española.Bajo su mandato, Francia no sólo consiguió el poder político y militar, sino también el dominio cultural con personajes como Molière, Racine... .Estos logros culturales contribuyeron al prestigio de Francia: su pueblo, su lengua y su rey. Luis XIV, uno de los más destacados reyes de la historia francesa, consiguió crear un régimen absolutista y centralizado, hasta el punto que su reinado es considerado el prototipo de la monarquía absoluta en Europa.

Era conocido como El Grande, le dieron un título, el del Delfín de Viennois.Su fallecimiento fue en el Palacio de Versalles y su entierro en la Basílica de Saint-Denis, se casó con Madame de Maintenon en el año 1683, tuvo varios descendientes y pertenecía a la Casa Real de los Borbones y la dinastía de los Capetos 

La Guerra de los Treinta Años

La Guerra de los Treinta Años fue una guerra librada en la Europa Central entre los años 1618 y 1648, en la que intervino la mayoría de las grandes potencias europeas de la época.

La Guerra de los Treinta Años llegó a su final con la Paz de Westfalia, que supuso el punto culminante de la rivalidad entre Francia y los territorios de los Habsburgo por la hegemonía en Europa, que conduciría en años posteriores a guerras nuevas entre ambas potencias.

El mayor impacto de esta guerra, en la que se usaron mercenarios de forma generalizada, fue la total devastación de territorios enteros que fueron esquilmados por los ejércitos necesitados de suministros.Los continuos episodios de hambrunas y enfermedades diezmaron la población civil de los estados alemanes, y en menor medida, los de los Holanda e Italia, además de llevar a la quiebra a muchas de las potencias implicadas.Aunque la guerra duró 30 años, los conflictos que la generaron siguieron sin resolverse durante mucho tiempo.

La larga serie de conflictos que forman la guerra pueden dividirse en cuatro etapas diferenciadas:

* La revuelta de Bohemia.

* La intervención danesa.

* La intervención sueca.

* La intervención francesa.

ORÍGENES DE ESTA GUERRA.

A mediados del s.XVI, la frágil Paz de Augsburgo, un acuerdo firmado por el emperador Carlos V de Alemania y los príncipes luteranos en 1555, había confirmado el resultado de la primera Dieta de Espira y en realidad había hecho acrecentar con el tiempo los odios entre católicos y luteranos.

RESULTADOS

El resultado de esta guerra fue la finalización de la supremacía de la Casa de Habsburgo, el inicio del dominio de la Casa de los Borbones, el inicio del imperio sueco y la descentralización del Sacro Imperio Romano Germánico